Hoe werkten de Japanse clans uit het Heian Era-tijdperk? (in het bijzonder Taira versus Minamoto)

Hoe werkten de Japanse clans uit het Heian Era-tijdperk? (in het bijzonder Taira versus Minamoto)


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Wikipedia vertelt me ​​dat bepaalde kinderen van keizers werden gedegradeerd (verwijderd uit de koninklijke lijn) en toegewezen aan zowel Taira als Minamoto "clans" tijdens de Heian-periode.

Hoe werkte dit?

  1. Was er een speciale reden om mensen aan de een boven de ander toe te wijzen?
  2. Zouden clans de doorslaggevende sociale identiteit voor hun leden zijn?
  3. Hebben ze speciale diensten verleend/gevraagd?
  4. Hoe heeft de generatiecomponent (bijv. Saga vs. Seiwa Genji) de situatie beïnvloed? Identificeerden Saga en Seiwa Genji zich bijvoorbeeld allebei als Minamoto en waren ze daarom eerder geneigd om met elkaar samen te werken dan met andere clans?

Gempei-oorlog

Gion shôja no kane no koe, shogyô mujô no hibiki ari. Shara sôju no hana no iro, shôsha hissui no koto wari wo arawasu. Ogoreru hito mo hisashikarazu, tada haru no yoru no yume no gotoshi. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
Het geluid van de Gion Shôja-tempelklokken weerspiegelt de vergankelijkheid van alle dingen. De kleur van de sala-bloemen onthult de waarheid dat bloeien gelijk staat met vallen. De hoogmoedigen verdragen de machtige val uiteindelijk niet, om niet meer te zijn dan stof voor de wind.

  • Data: 1180-1185
  • Strijders: Minamoto-clan (en bondgenoten) vs. Taira-clan (en bondgenoten)
  • Resultaat: Minamoto-overwinning Taira-clan grotendeels weggevaagd
  • Japans: (Genpei Kassen)

De Genpei Oorlog, uitgevochten tussen de Minamoto en Taira samoerai clans in 1180-1185, markeert het einde van de heerschappij door een door Taira gedomineerd keizerlijk hof, en werd kort daarna gevolgd door de oprichting van het Kamakura shogunaat als zodanig, het vertegenwoordigt de val van de Taira en de opkomst van de Minamoto, het einde van de Heian-periode en het begin van de Kamakura-periode, en de grens tussen de klassieke periode van aristocraat / hofheerschappij en de middeleeuwse periode van samoerai-regel.

De oorlog ontleent zijn naam aan de op-yomi of "Chinese stijl" lezingen van de namen van de twee clans - Genji en Heike (of Heishi) die respectievelijk "Minamoto-clan" en "Taira-huis" (of "Taira-clan") betekenen.

De gebeurtenissen van de oorlog werden het beroemdst naverteld in het epos Het verhaal van de Heike, die een tijdlang als mondelinge traditie werd doorgegeven door reizende vertellers van muzikanten voordat ze voor het eerst werden opgeschreven in 1371. Talloze Noh-, Kabuki- en poppenspelen, evenals talloze schilderijen en andere culturele creaties zijn gebaseerd op deze verhalen, die zijn uitgegroeid tot een legende.


Inhoud

Jōmon art Edit

De eerste kolonisten van Japan waren het Jōmon-volk (ca. 10.500 - ca. 300 v.Chr.), [3] genoemd naar de koordmarkeringen die de oppervlakken van hun kleivaten verfraaiden, waren nomadische jager-verzamelaars die later georganiseerde landbouw beoefenden en steden bouwden met een bevolking van honderden, zo niet duizenden. Ze bouwden eenvoudige huizen van hout en riet in ondiepe aarden kuilen om warmte uit de grond te halen. Ze maakten rijkelijk versierde aardewerk opslagvaten, beeldjes van klei genaamd honden kristallen juwelen.

Vroege Jōmon-periode

Tijdens de vroege Jōmon-periode (5000-2500 v.Chr.) werden [3] dorpen ontdekt en werden gewone alledaagse voorwerpen gevonden, zoals keramische potten die bedoeld waren om water te koken. De potten die in deze tijd werden gevonden, hadden een platte bodem en hadden uitgebreide ontwerpen gemaakt van materialen zoals bamboe. Daarnaast was een andere belangrijke vondst de vroege Jōmon-beeldjes die mogelijk als vruchtbaarheidsobjecten waren gebruikt vanwege de borsten en zwellende heupen die ze vertoonden. [3]

Midden Jōmon periode

De Midden-Jōmon-periode (2500-1500 BCE), [3] contrasteerde in veel opzichten met de vroege Jōmon-periode. Deze mensen werden minder nomadisch en begonnen zich in dorpen te vestigen. Ze creëerden handige hulpmiddelen die het voedsel dat ze verzamelden en jaagden, konden verwerken, wat het leven voor hen gemakkelijker maakte. Door de talrijke esthetisch aangename keramiek die in deze periode werd gevonden, is het duidelijk dat deze mensen een stabiele economie en meer vrije tijd hadden om mooie stukken te maken. Bovendien verschilden de mensen van de Midden-Jōmon-periode van hun voorgaande voorouders omdat ze vaten ontwikkelden op basis van hun functie, ze produceerden bijvoorbeeld potten om artikelen op te slaan. [3] De versieringen op deze vaten begonnen er realistischer uit te zien in tegenstelling tot het vroege Jōmon-keramiek. Over het algemeen nam de productie van werken in deze periode niet alleen toe, maar deze individuen maakten ze ook meer decoratief en naturalistisch. [3]

Late en laatste Jōmon periode Edit

Tijdens de late en laatste Jōmon-periode (1500-300 v.Chr.), [3] begon het weer kouder te worden, waardoor ze gedwongen werden weg te trekken van de bergen. De belangrijkste voedselbron in deze tijd was vis, waardoor ze hun visbenodigdheden en -gereedschap verbeterden. Deze vooruitgang was een zeer belangrijke prestatie in deze tijd. Bovendien nam het aantal schepen sterk toe, wat zou kunnen concluderen dat elk huis een eigen beeldje in zich had. Hoewel verschillende vaten werden gevonden tijdens de late en laatste Jōmon-periode, werden deze stukken beschadigd gevonden, wat erop zou kunnen wijzen dat ze ze voor rituelen gebruikten. Daarnaast werden er ook beeldjes gevonden die werden gekenmerkt door hun vlezige lichamen en brilachtige ogen. [3]

hond ("aarden figuur") zijn kleine mensachtige en dierlijke beeldjes gemaakt tijdens het laatste deel van de Jomon-periode. [4] Ze werden in heel Japan gemaakt, behalve in Okinawa. [4] Sommige geleerden theoretiseren de hond fungeerden als beeltenissen van mensen, die een soort sympathieke magie vertoonden. [5] hond zijn gemaakt van klei en zijn klein, meestal 10 tot 30 cm hoog. [6] De meeste beeldjes lijken vrouwelijk te zijn en hebben grote ogen, kleine tailles en brede heupen. [4] Ze worden door velen beschouwd als representatief voor godinnen. Velen hebben grote buiken geassocieerd met zwangerschap, wat suggereert dat de Jomon hen als moedergodinnen beschouwden. [6]

Yayoi-kunst Bewerken

De volgende golf immigranten was het Yayoi-volk, genoemd naar het district in Tokio waar voor het eerst overblijfselen van hun nederzettingen werden gevonden. Deze mensen, die omstreeks 300 vGT in Japan arriveerden, [7] brachten hun kennis mee van de rijstteelt in wetlands, de vervaardiging van koperen wapens en bronzen bellen (dōtaku), en met een wiel gegooid, in de oven gestookt keramiek.

Een dōtaku-klok uit de Yayoi-periode, 3e eeuw CE

Bronzen spiegel opgegraven in Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

Karmaische pot uit de Yayoi-periode

Yayoi voorraadpot van 500 BCE - 200 CE

Kofun-kunst Bewerken

De derde fase in de Japanse prehistorie, de Kofun-periode (ca. 300 - 710 AD), [3] vertegenwoordigt een wijziging van de Yayoi-cultuur, die kan worden toegeschreven aan interne ontwikkeling of externe kracht. Deze periode is het meest bekend om zijn grafcultuur en andere artefacten zoals bronzen spiegels en sculpturen van klei genaamd haniwa die buiten deze graven werden opgericht. Gedurende de Kofun-periode evolueerden de kenmerken van deze graven van kleinere graven gebouwd op heuveltoppen en richels tot veel grotere graven gebouwd op vlak land. [8] Het grootste graf in Japan, het graf van keizer Nintoku, herbergt 46 grafheuvels en heeft de vorm van een sleutelgat, [9] een duidelijk kenmerk dat in latere Kofun-graven werd gevonden. [8]

Asuka en Nara kunst Edit

Tijdens de Asuka- en Nara-periodes, zo genoemd omdat de zetel van de Japanse regering in de Asuka-vallei lag van 542 tot 645 [3] en in de stad Nara tot 784, vond de eerste significante instroom van continentale Aziatische cultuur plaats in Japan.

De overdracht van het boeddhisme vormde de eerste aanzet voor contacten tussen China en Japan. De Japanners erkenden de facetten van de Chinese cultuur die op een winstgevende manier in hun eigen cultuur konden worden opgenomen: een systeem om ideeën en geluiden om te zetten in het schrijven van geschiedschrijving complexe theorieën van de overheid, zoals een effectieve bureaucratie en, het belangrijkste voor de kunsten, nieuwe technologieën, nieuwbouw technieken, meer geavanceerde methoden voor het gieten in brons, en nieuwe technieken en media voor het schilderen.

Gedurende de 7e en 8e eeuw lag de belangrijkste focus in de contacten tussen Japan en het Aziatische continent echter op de ontwikkeling van het boeddhisme. Niet alle geleerden zijn het eens over de belangrijke data en de juiste namen die van toepassing zijn op verschillende tijdsperioden tussen 552, de officiële datum van de introductie van het boeddhisme in Japan, en 784, toen de Japanse hoofdstad uit Nara werd overgebracht. De meest voorkomende benamingen zijn de Suiko-periode, 552-645, de Hakuho-periode, 645-710, en de Tenpyō-periode, 710-784.

Pagode en Kond in Hōryū-ji, 8e eeuw

De vroegste Japanse sculpturen van de Boeddha dateren uit de 6e en 7e eeuw. [10] Ze zijn uiteindelijk afgeleid van de Grieks-boeddhistische kunst uit de 1e tot de 3e eeuw na Christus, die wordt gekenmerkt door vloeiende kledingpatronen en realistische weergave, [11] waarop Chinese artistieke eigenschappen werden gelegd. Nadat de Chinese Noord-Wei boeddhistische kunst een Koreaans schiereiland had geïnfiltreerd, werden boeddhistische iconen door verschillende immigrantengroepen naar Japan gebracht. [12] Vooral de halfzittende Maitreya-vorm werd aangepast tot een hoogontwikkelde Oud-Griekse kunststijl die naar Japan werd overgebracht, zoals blijkt uit de beelden van Kōryū-ji Miroku Bosatsu en de Chūgū-ji Siddhartha-beelden. [13] Veel historici schilderen Korea af als louter een zender van het boeddhisme. [14] De Drie Koninkrijken, en in het bijzonder Baekje, waren instrumenteel als actieve agenten bij de introductie en vorming van een boeddhistische traditie in Japan in 538 of 552. [15] Ze illustreren het eindpunt van de overdracht van kunst aan de zijderoute tijdens de eerste enkele eeuwen van onze jaartelling. Andere voorbeelden zijn te vinden in de ontwikkeling van de iconografie van de Japanse Fūjin Wind God, [16] de Niō bewakers, [17] en de bijna klassieke bloemmotieven in tempeldecoraties. [18]

De vroegste boeddhistische bouwwerken die nog bestaan ​​in Japan, en de oudste houten gebouwen in het Verre Oosten zijn te vinden aan de Hōryū-ji ten zuidwesten van Nara. Het werd voor het eerst gebouwd in het begin van de 7e eeuw als de privétempel van kroonprins Shotoku en bestaat uit 41 onafhankelijke gebouwen. De belangrijkste, de grote eredienst, of Kond (Gouden Zaal), en Gojū-no-tō (Pagode met vijf verdiepingen), sta in het midden van een open gebied omringd door een overdekt klooster. De Kond, in de stijl van Chinese aanbiddingszalen, is een structuur van twee verdiepingen met een constructie met palen en een balk, afgedekt door een irimoya, of schilddak van keramische tegels.

Binnen in de Kond, op een groot rechthoekig platform, zijn enkele van de belangrijkste sculpturen van de periode. Het centrale beeld is een Shaka Trinity (623), de historische Boeddha geflankeerd door twee bodhisattva's, beeld gegoten in brons door de beeldhouwer Tori Busshi (bloeiend begin 7e eeuw) als eerbetoon aan de onlangs overleden prins Shotoku. Op de vier hoeken van het platform staan ​​de Guardian Kings of the Four Directions, uit hout gesneden rond 650. Ook gehuisvest in Hōryū-ji is het Tamamushi-heiligdom, een houten replica van een Kond, die is geplaatst op een hoge houten sokkel die is versierd met figuratieve schilderijen uitgevoerd in een medium van minerale pigmenten vermengd met lak.

Tempelbouw in de 8e eeuw was geconcentreerd rond de Tōdai-ji in Nara. De Tōdaiji, gebouwd als het hoofdkwartier voor een netwerk van tempels in elk van de provincies, is het meest ambitieuze religieuze complex dat in de eerste eeuwen van de boeddhistische eredienst in Japan werd opgericht. Terecht, de 16,2-m (53-ft) Boeddha (voltooid 752) verankerd in de grote Boeddha-hal, of Daibutsuden, is een Rushana Boeddha, de figuur die de essentie van Boeddhaschap vertegenwoordigt, net zoals de Tōdaiji het centrum vertegenwoordigde voor het keizerlijk gesponsorde boeddhisme en de verspreiding ervan in heel Japan. Slechts een paar fragmenten van het originele beeld zijn bewaard gebleven, en de huidige hal en centrale Boeddha zijn reconstructies uit de Edo-periode.

Geclusterd rond de Daibutsuden op een zacht glooiende heuvel zijn een aantal secundaire hallen: de Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), met als belangrijkste afbeelding de Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, de meest populaire bodhisattva), gemaakt van droge lak (doek gedoopt in lak en gevormd over een houten armatuur) de Kaidanin (戒壇院, Ordination Hall) met zijn prachtige kleibeelden van de Four Guardian Kings en het pakhuis, genaamd de Shōsōin. Deze laatste structuur is van groot belang als kunsthistorische cache, omdat daarin de gebruiksvoorwerpen zijn opgeslagen die werden gebruikt bij de inwijdingsceremonie van de tempel in 752, het eye-opening ritueel voor het Rushana-beeld, evenals overheidsdocumenten en vele seculiere voorwerpen die eigendom zijn van de keizerlijke familie.

Choukin (of chōkin), de kunst van het graveren of beeldhouwen van metaal, zou zijn begonnen in de Nara-periode. [19] [20]

Heian kunst Bewerken

In 794 werd de hoofdstad van Japan officieel overgedragen aan Heian-kyō (het huidige Kyoto), waar het tot 1868 bleef. Heian-periode verwijst naar de jaren tussen 794 en 1185, toen het Kamakura-shogunaat werd opgericht aan het einde van de Genpei-oorlog. De periode is verder onderverdeeld in het vroege Heian- en het late Heian- of Fujiwara-tijdperk, met als cruciale datum 894, het jaar waarin de keizerlijke ambassades in China officieel werden stopgezet.

Vroege Heian-kunst: Als reactie op de groeiende rijkdom en macht van het georganiseerde boeddhisme in Nara, reisde de priester Kūkai (vooral bekend onder zijn postume titel Kōbō Daishi, 774–835) naar China om Shingon te bestuderen, een vorm van Vajrayana-boeddhisme, dat hij in Japan introduceerde in 806. De kern van de Shingon-aanbidding zijn mandala's, diagrammen van het spirituele universum, die toen het tempelontwerp begonnen te beïnvloeden. De Japanse boeddhistische architectuur nam ook de stoepa over, oorspronkelijk een Indiase architectonische vorm, in zijn pagode in Chinese stijl.

De tempels die voor deze nieuwe sekte werden opgericht, werden in de bergen gebouwd, ver weg van het hof en de leken in de hoofdstad. De onregelmatige topografie van deze locaties dwong Japanse architecten om de problemen van de tempelbouw te heroverwegen en daarbij meer inheemse ontwerpelementen te kiezen. Daken van cipressenbasten vervingen die van keramische tegels, houten planken werden gebruikt in plaats van aarden vloeren, en er werd een aparte eredienst voor de leken toegevoegd voor het hoofdheiligdom.

De tempel die het beste de geest van de vroege Heian Shingon-tempels weerspiegelt, is de Murō-ji (begin 9e eeuw), diep in een stand van cipressen op een berg ten zuidoosten van Nara. Het houten beeld (ook begin 9e eeuw) van Shakyamuni, de "historische" Boeddha, verankerd in een secundair gebouw aan de Murō-ji, is typerend voor het vroege Heian-beeldhouwwerk, met zijn zware lichaam, bedekt met dikke draperieplooien die in de honpa-shiki (rolling-wave) stijl, en zijn sobere, teruggetrokken gezichtsuitdrukking.

Fujiwara-kunst: In de Fujiwara-periode werd het Zuivere Land-boeddhisme, dat gemakkelijke redding bood door te geloven in Amida (de Boeddha van het Westelijke Paradijs), populair. Deze periode is vernoemd naar de familie Fujiwara, destijds de machtigste van het land, die regeerde als regenten voor de keizer en in feite burgerlijke dictators werden. Tegelijkertijd ontwikkelde de Kyoto-adel een samenleving die zich toelegde op elegante esthetische bezigheden. Hun wereld was zo veilig en mooi dat ze zich het Paradijs niet veel anders konden voorstellen. Ze creëerden een nieuwe vorm van Boeddha-hal, de Amida-hal, die het seculiere met het religieuze combineert, en een of meer Boeddha-afbeeldingen herbergt in een structuur die lijkt op de herenhuizen van de adel.

De Hō-ō-dō (Phoenix Hall, voltooid 1053) van de Byōdō-in, een tempel in Uji ten zuidoosten van Kyoto, is het voorbeeld van Fujiwara Amida-zalen. Het bestaat uit een rechthoekige hoofdstructuur geflankeerd door twee L-vormige vleugelgangen en een staartgang, aan de rand van een grote kunstmatige vijver. Binnenin is een enkele gouden afbeelding van Amida (ca. 1053) op een hoog platform geïnstalleerd. Het Amida-beeldhouwwerk werd uitgevoerd door Jōchō, die een nieuwe canon van proporties en een nieuwe techniek gebruikte (Yosegi), waarin meerdere stukken hout als schelpen worden uitgehouwen en van binnenuit worden samengevoegd. Op de muren van de hal zijn kleine reliëfsnijwerk van hemelse wezens aangebracht, waarvan wordt aangenomen dat de gastheer Amida vergezelde toen hij afdaalde uit het Westelijke Paradijs om de zielen van gelovigen te verzamelen op het moment van hun dood en ze in lotusbloemen naar het Paradijs te vervoeren. Raig schilderijen op de houten deuren van de Hō-ō-dō, die de afdaling van de Amida Boeddha afbeelden, zijn een vroeg voorbeeld van Yamato-e, schilderkunst in Japanse stijl, en bevatten afbeeldingen van het landschap rond Kyoto.

E-maki: In de laatste eeuw van de Heian-periode, de horizontale, geïllustreerde verhalende handscroll, bekend als e-maki (絵巻, lit. "foto scroll"), kwam op de voorgrond. Daterend uit ongeveer 1130, de Genji Monogatari Emaki, een beroemde geïllustreerde Verhaal van Genji vertegenwoordigt de oudste nog bestaande yamato-e handscroll en een van de hoogtepunten van de Japanse schilderkunst. Geschreven rond het jaar 1000 door Murasaki Shikibu, een hofdame van keizerin Shoshi, gaat de roman over het leven en de liefdes van Genji en de wereld van het Heian-hof na zijn dood. De 12e-eeuwse kunstenaars van de e-maki versie bedacht een systeem van picturale conventies die de emotionele inhoud van elke scène visueel overbrengen. In de tweede helft van de eeuw werd een andere, levendigere stijl van doorlopende verhalende illustratie populair. De Ban Dainagon Ekotoba (eind 12e eeuw), een rol die een intrige aan het hof behandelt, benadrukt figuren in actieve beweging afgebeeld in snel uitgevoerde penseelstreken en dunne maar levendige kleuren.

E-maki dienen ook als enkele van de vroegste en grootste voorbeelden van de otoko-e ("mannenfoto's") en onna-e ("vrouwenfoto's") schilderstijlen. Er zijn veel fijne verschillen in de twee stijlen, een beroep doend op de esthetische voorkeuren van de geslachten. Maar misschien wel het gemakkelijkst op te merken zijn de verschillen in onderwerp. Onna-e, belichaamd door de Tale of Genji handscroll, gaat meestal over het hofleven, met name de hofdames, en met romantische thema's. Otoko-e vaak opgenomen historische gebeurtenissen, met name veldslagen. De belegering van het Sanjō-paleis (1160), afgebeeld in de sectie "Nachtaanval op het Sanjō-paleis" van de Heiji Monogatari-handscroll, is een beroemd voorbeeld van deze stijl.

Kamakura-kunst Bewerken

In 1180 brak er een oorlog uit tussen de twee machtigste krijgersclans: de Taira en de Minamoto. Vijf jaar later kwamen de Minamoto als overwinnaars tevoorschijn en vestigden een de facto regeringszetel in het kustplaatsje Kamakura, waar het tot 1333 bleef. machtsverschuiving van de adel naar de krijgersklasse, moesten de kunsten een nieuw publiek tevreden stellen: mannen die toegewijd waren aan de vaardigheden van oorlogvoering, priesters die toegewijd waren om het boeddhisme beschikbaar te maken voor ongeletterde gewone mensen, en conservatieven, de adel en enkele leden van de priesterschap die betreurde de afnemende macht van de rechtbank. Zo kenmerken realisme, een populariserende trend en een klassieke heropleving de kunst van de Kamakura-periode. In de Kamakura-periode bleven Kyoto en Nara de centra van artistieke productie en hoge cultuur.

Beeldhouwwerk: De Kei-school van beeldhouwers, met name Unkei, creëerde een nieuwe, meer realistische beeldhouwstijl. De twee Niō-bewakersbeelden (1203) in de Grote Zuidpoort van de Tōdai-ji in Nara illustreren Unkei's dynamische suprarealistische stijl. De afbeeldingen, ongeveer 8 m (ongeveer 26 ft) hoog, werden in een periode van ongeveer drie maanden uit meerdere blokken gesneden, een prestatie die indicatief is voor een ontwikkeld studiosysteem van ambachtslieden die onder leiding van een meester-beeldhouwer werkten. Unkei's gepolychromeerde houten sculpturen (1208, Kōfuku-ji, Nara) van twee Indiase wijzen, Muchaku en Seshin, de legendarische oprichters van de Hossō-sekte, behoren tot de meest succesvolle realistische werken van de periode zoals weergegeven door Unkei, ze zijn opmerkelijk geïndividualiseerd en geloofwaardige beelden. Een van de beroemdste werken uit deze periode is een Amitabha-triade (voltooid in 1195), in Jōdo-ji in Ono, gemaakt door Kaikei, de opvolger van Unkei.

Kalligrafie en schilderen: De Kegon Engi Emaki, de geïllustreerde geschiedenis van de oprichting van de Kegon-sekte, is een uitstekend voorbeeld van de populariserende trend in de Kamakura-schilderkunst. De Kegon-sekte, een van de belangrijkste in de Nara-periode, maakte moeilijke tijden door tijdens de opkomst van de Zuivere Land-sektes. Na de Genpei-oorlog (1180-1185), probeerde priester Myōe van Kōzan-ji de sekte nieuw leven in te blazen en ook een toevluchtsoord te bieden aan vrouwen die door de oorlog weduwe waren geworden. De vrouwen van samoerai waren ontmoedigd om meer te leren dan een syllabary-systeem voor het overschrijven van geluiden en ideeën (zie kana), en de meesten waren niet in staat om teksten te lezen waarin Chinese ideografen werden gebruikt (kanji).

Dus de Kegon Engi Emaki combineert tekstpassages, geschreven met een maximum aan goed leesbare lettergrepen, en illustraties die de dialoog tussen karakters naast de sprekers laten schrijven, een techniek die vergelijkbaar is met hedendaagse stripverhalen. De plot van de e-maki, het leven van de twee Koreaanse priesters die de Kegon-sekte hebben gesticht, wordt snel gevolgd en gevuld met fantastische prestaties, zoals een reis naar het paleis van de Ocean King en een aangrijpend moederverhaal. [ verduidelijking nodig ]

Een meer conservatief werk is de geïllustreerde versie van het dagboek van Murasaki Shikibu. E-maki Er werden nog steeds versies van haar roman geproduceerd, maar de adel, afgestemd op de nieuwe interesse in realisme en toch nostalgisch naar voorbije dagen van rijkdom en macht, herleefde en illustreerde het dagboek om de pracht van de tijd van de auteur te heroveren. Een van de mooiste passages illustreert de episode waarin Murasaki Shikibu speels gevangen wordt gehouden in haar kamer door twee jonge hovelingen, terwijl net buiten het maanlicht schijnt op de bemoste oevers van een beekje in de keizerlijke tuin.

Muromachi-kunst Bewerken

Tijdens de Muromachi-periode (1338-1573), ook wel de Ashikaga-periode genoemd, vond er een ingrijpende verandering plaats in de Japanse cultuur. De Ashikaga-clan nam de controle over het shogunaat over en verhuisde het hoofdkwartier terug naar Kyoto, naar het Muromachi-district van de stad. Met de terugkeer van de regering naar de hoofdstad kwam er een einde aan de populariserende trends van de Kamakura-periode en kreeg culturele expressie een meer aristocratisch, elitair karakter. Het zenboeddhisme, de Ch'an-sekte die traditioneel in China zou zijn gesticht in de 6e eeuw, werd voor de tweede keer in Japan geïntroduceerd en wortel geschoten.

Schilderen: Vanwege seculiere ondernemingen en handelsmissies naar China, georganiseerd door zen-tempels, werden veel Chinese schilderijen en kunstvoorwerpen geïmporteerd in Japan en beïnvloedden ze de Japanse kunstenaars die voor zen-tempels en het shogunaat werkten diepgaand. Deze importen veranderden niet alleen het onderwerp van de schilderkunst, maar ze veranderden ook het kleurgebruik dat de heldere kleuren van Yamato-e gaven aan de monochromen van de schilderkunst op de Chinese manier, waar schilderijen over het algemeen alleen zwart-wit of verschillende tonen van een enkele kleur.

Typerend voor de vroege Muromachi-schilderkunst is de afbeelding door de priester-schilder Kao (actief begin 15e eeuw) van de legendarische monnik Kensu (Hsien-tzu in het Chinees) op het moment dat hij de verlichting bereikte. Dit type schilderij is uitgevoerd met snelle penseelstreken en een minimum aan detail. Een meerval vangen met een kalebas (begin 15e eeuw, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), door de priester-schilder Josetsu (actief ca. 1400), markeert een keerpunt in de Muromachi-schilderkunst. Oorspronkelijk uitgevoerd voor een laagstaand scherm, is het opnieuw gemonteerd als een hangende rol met inscripties van hedendaagse figuren hierboven, waarvan er één verwijst naar het schilderij als zijnde in de "nieuwe stijl". Op de voorgrond is een man afgebeeld aan de oever van een beek die een kleine kalebas vasthoudt en naar een grote glibberige meerval kijkt. Mist vult de middenweg en de bergen op de achtergrond lijken ver in de verte te zijn. Algemeen wordt aangenomen dat de 'nieuwe stijl' van het schilderij, dat omstreeks 1413 werd gemaakt, verwijst naar een meer Chinees gevoel van diepe ruimte binnen het beeldvlak.

De belangrijkste kunstenaars van de Muromachi-periode zijn de priester-schilders Shūbun en Sesshū. Shūbun, een monnik in de Kyoto-tempel van Shōkoku-ji, gemaakt in het schilderij Lezen in een bamboebos (1446) een realistisch landschap met diepe recessie in de ruimte. Sesshū was, in tegenstelling tot de meeste kunstenaars uit die periode, in staat om naar China te reizen en Chinese schilderkunst aan de bron te bestuderen. Landschap van de vier seizoenen (Sansui Chokan C. 1486) is een van Sesshu's meest geslaagde werken, die een doorlopend landschap door de vier seizoenen uitbeeldt.

Azuchi-Momoyama-kunst Bewerken

In de Azuchi-Momoyama-periode (1573-1603) probeerde een opeenvolging van militaire leiders, zoals Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi en Tokugawa Ieyasu, vrede en politieke stabiliteit te brengen in Japan na een tijdperk van bijna 100 jaar oorlogvoering. Oda, een minderjarige leider, verwierf voldoende macht om in 1568 de facto de regering over te nemen en vijf jaar later de laatste Ashikaga-shogun te verdrijven. Hideyoshi nam het bevel over na de dood van Oda, maar zijn plannen om een ​​erfelijke heerschappij te vestigen werden verijdeld door Ieyasu, die in 1603 het Tokugawa-shogunaat oprichtte.

Schilderen: De belangrijkste schilderschool in de Momoyama-periode was die van de Kanō-school, en de grootste innovatie van die periode was de formule, ontwikkeld door Kanō Eitoku, voor het creëren van monumentale landschappen op de schuifdeuren die een kamer omsluiten. De decoratie van de hoofdkamer met uitzicht op de tuin van de Jukō-in, een subtempel van Daitoku-ji (een Zen-tempel in Kyoto), is misschien wel het beste nog bestaande voorbeeld van Eitoku's werk. Een enorme ume boom- en tweelingdennen zijn afgebeeld op paren schuifschermen in diagonaal tegenover elkaar liggende hoeken, waarbij hun stammen de verticale lijnen van de hoekstijlen herhalen en hun takken zich naar links en rechts uitstrekken en de aangrenzende panelen verenigen. Eitoku's scherm, Chinese leeuwen, ook in Kyoto, onthult de gedurfde, felgekleurde schilderstijl die de samoerai prefereert.

Hasegawa Tōhaku, een tijdgenoot van Eitoku, ontwikkelde een iets andere en meer decoratieve stijl voor grootschalige schermschilderijen. In zijn Esdoorn Scherm (楓図), nu in de tempel van Chishaku-in (ja:智積院), Kyoto, plaatste hij de stam van de boom in het midden en verlengde de ledematen bijna tot aan de rand van de compositie, waardoor een vlakkere, minder architectonische werk dan Eitoku, maar een visueel prachtig schilderij. Zijn zesvoudige scherm, Dennenhout (松林図), is een meesterlijke weergave in monochrome inkt van een bos gehuld in mist.

Kunst uit de Edo-periode Bewerken

Het Tokugawa-shogunaat kreeg in 1603 onbetwiste controle over de regering met een verbintenis om vrede en economische en politieke stabiliteit in het land te brengen. Het was grotendeels succesvol. Het shogunaat overleefde tot 1867, toen het werd gedwongen te capituleren omdat het niet kon omgaan met de druk van westerse landen om het land open te stellen voor buitenlandse handel. Een van de dominante thema's in de Edo-periode was het repressieve beleid van het shogunaat en de pogingen van kunstenaars om aan deze beperkingen te ontsnappen. De belangrijkste daarvan waren de sluiting van het land voor buitenlanders en de uitrusting van hun culturen, en het opleggen van strikte gedragscodes die van invloed waren op elk aspect van het leven, de kleding die men droeg, de persoon die men trouwde en de activiteiten die men kon of zou moeten doen. niet nastreven.

In de beginjaren van de Edo-periode was de volledige impact van het Tokugawa-beleid echter nog niet gevoeld, en enkele van Japans mooiste uitingen in architectuur en schilderkunst werden geproduceerd: Katsura Palace in Kyoto en de schilderijen van Tawaraya Sōtatsu, pionier van de Rinpa-school.

Houtsnede afdrukken: Houtsneden werden oorspronkelijk gebruikt om boeddhistische geschriften in de achtste eeuw in Japan te vertalen. Houtsnededruk bestaat uit het graveren van afbeeldingen of afbeeldingen op een stuk hout, dat vervolgens tegen een stuk papier wordt gedrukt. In de achtste eeuw werd houtsnede beschouwd als een handige methode voor het reproduceren van gedrukte tekst totdat verdere innovaties het mogelijk maakten om kleur op papier of beter bekend als Nishik-e-prints te vertalen. Van de elfde tot de negentiende eeuw was het drukken op houtblokken de gangbare methode van drukken. Nishiki-e prints produceerden goederen zoals kalenders die tijdens de Edo-periode vaak werden verkocht aan rijke leden van de samenleving. In de Edo-periode werden op deze prenten gebeurtenissen en scènes van vooraanstaande acteurs afgebeeld. Ukiyo werd toen geassocieerd met houtsnededruk in de vroege Edo-periode. Deze Ukiyo-schilderijen verbeeldden het dagelijks leven van prominente leden van de samenleving. Ukiyo begon als met de hand gebeeldhouwde rollen die het leven afbeeldden als een normale burger.

Architectuur: Katsura Vrijstaand Paleis, gebouwd in navolging van het paleis van Genji, bevat een cluster van shoin-gebouwen die elementen van klassieke Japanse architectuur combineren met innovatieve aanpassingen. Het hele complex is omgeven door een prachtige tuin met wandelpaden. Veel van krachtige daimyōs (feodale heren) bouwden een Japanse tuin in Circuit-stijl in het land van het territorium en streden om de schoonheid.

Schilderen: Sōtatsu ontwikkelde een prachtige decoratieve stijl door thema's uit de klassieke literatuur opnieuw te creëren, met gebruik van briljant gekleurde figuren en motieven uit de natuurlijke wereld tegen een achtergrond van bladgoud. Een van zijn mooiste werken is het paar schermen De golven bij Matsushima in de Freer Gallery in Washington, D.C. Een eeuw later herwerkte Kōrin de stijl van Sōtatsu en creëerde visueel prachtige werken die uniek zijn voor hemzelf. Misschien wel zijn mooiste zijn de schermschilderijen van Rode en witte pruimenbloesems.

Beeldhouwwerk: De boeddhistische monnik Enkū sneed 120.000 boeddhistische afbeeldingen in een ruwe, eigen stijl.

Ukiyo-e en nanga (bunjinga): De meest bekende kunstschool in het Westen is die van de ukiyo-e-schilderijen en houtsneden van de halfmonde, de wereld van het kabuki-theater en de plezierwijken. Ukiyo-e-prints werden aan het einde van de 17e eeuw geproduceerd in 1765. Harunobu produceerde de eerste polychrome print. Printontwerpers van de volgende generatie, waaronder Torii Kiyonaga en Utamaro, creëerden elegante en soms verhelderende afbeeldingen van courtisanes.

In de 19e eeuw waren de dominante figuren Hokusai en Hiroshige, de laatste een maker van romantische en enigszins sentimentele landschapsprenten. De vreemde hoeken en vormen waardoor Hiroshige vaak naar het landschap keek, en het werk van Kiyonaga en Utamaro, met zijn nadruk op platte vlakken en sterke lineaire contouren, hadden een diepgaande invloed op westerse kunstenaars als Edgar Degas en Vincent van Gogh. Via kunstwerken in westerse musea zouden deze zelfde prentkunstenaars later een krachtige invloed uitoefenen op de beeldtaal en esthetische benaderingen die werden gebruikt door vroegmodernistische dichters als Ezra Pound, Richard Aldington en H.D. [21]

Een school voor hedendaagse schilderkunst met ukiyo-e was nanga, of bunjinga, een stijl gebaseerd op schilderijen van Chinese geleerde-schilders. Net zoals ukiyo-e-kunstenaars ervoor kozen om figuren uit het leven buiten de beperkingen van het Tokugawa-shogunaat af te beelden, wendden bunjin-kunstenaars zich tot de Chinese cultuur. De voorbeelden van deze stijl zijn Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden en Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro en Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Painting Edit

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for cloisons (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama en Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke en kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ citaat nodig ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), en ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


Bekijk de video: The Heian Period, an Age of Art..Ending in a Shogunate. History of Japan 34